Este proyecto pretende grabar la canción mas larga de la historia, una canción con una duración de 1000 años.
Comenzó a sonar el 1 de Enero de 2000 y si todo va bien según el plan previsto, sin repetición continuará hasta 31 de Diciembre de 2999, fecha en que volverá al punto en el que comenzó y volverá a repetirse de nuevo.
“Longplayer” se basa en una pieza de música de 20 minutos y 20 segundos de duración, que se procesa por un ordenador mediante un simple algoritmo.
Esto da un gran número de variaciones, creando una rutina que da un total de tiempo de ejecución de 1000 años.
La música original fue compuesta por Jem Finer, miembro fundador del grupo “The Pogues” y está interpretada con una serie de cuencos tibetanos, de plata, oro, cobre, hierro, estaño, plomo y mercurio, que son capaces de crear una gama de sonidos sorprendentes.
(En el vídeo viene la historia con la canción de fondo y sus protagonistas)
Recordemos que Joaquín Rodrigo es un admirable autor, reconocido mundialmente, quien además escribió su música en braille ya que perdió la vista, a muy temprana edad
El maestro y su inseparable esposa Victoria Kamhi cuenta lo que inspiró este concierto: la muerte de su hijo antes de nacer y el proceso difícil de recuperación de su pareja que estuvo en peligro de muerte.
Victoria Kamhi, una joven pianista turca, la cuál estaba embarazada y esperaban con toda la ilusión, de por aquel entonces castigado mundo, el nacimiento de su primer hijo. Se encontraba el maestro en plena composición de la obra y su mujer cayó gravemente enferma y tuvo que ser ingresada de urgencia en un hospital de Madrid. Los doctores anunciaban poco después al maestro que su mujer y su hijo iban a morir con casi completa seguridad. Después de oír aquello, el maestro Rodrigo regresó a casa, se sentó delante de su piano y de la forma que él sabia expresar sus sentimientos era a través de la música, así que compuso el principio del segundo movimiento.
Finalmente Victoria viviría, pero su hijo nació muerto. El segundo movimiento, es un diálogo musical entre Dios y el compositor. Un diálogo que comienza con un precioso fragmento, un desconsolado paseo de vuelta a casa después de conocer la noticia, y el inicio de una lastimera oración a Dios, suplicándole que no se lleve las almas de su mujer y de su futuro hijo.
Es un comienzo extremadamente hermoso, capaz de llegar a cualquiera, de tan dulce que suena. De repente, entra una guitarra, con voz propia, con los ojos llenos de lágrimas insistiendo en la petición a Dios, buscando su misericordia... pero cuando llega la contestación de Dios (la orquesta), es para replicarle que, para que su mujer viva, su hijo deberá morir.
Con tremenda tristeza y resignación, la guitarra acepta esa cruel condición y es entonces cuando se produce la ascensión del alma del nonato a los cielos, expresada en un sólo de guitarra en el que el maestro Rodrigo entrega el alma de su hijo para recuperar, al menos, el de su mujer.
La icónica 5ª Sinfonía de Ludwig Van Beethoven es a veces conocida como la "Victoria Symphony", debido a su rol en la segunda guerra mundial.
Debido a que los distintivos cuatro notas del motivo inicial tenían el mismo patrón que el código Morse, por ello las potencias aliadas utilizaban la pieza de Beethoven como un símbolo de la victoria en la campaña de propaganda “V para la victoria”
Ante su debut en un prestigioso teatro, el joven pianista, de tan solo 20 años, Vladimir Horowitz tuvo un repentino ataque de pánico y se negaba a salir a actuar.
Tras comentar su angustioso estado al gerente del local, éste le dijo que si no pensaba tocar debería salir y dar alguna excusa al público presente.
Horowitz salió a escena, se colocó frente al respetable y se dio cuenta que no podía articular palabra, por lo que prefirió tocar el piano antes que tener que hablar.
Según las críticas fue uno de los mejores conciertos que dio en su vida.
Con el paso de los años se ha convertido en el himno de año nuevo, pues es el colofón del gran concierto de año nuevo de Viena y de todos los que se precien de dar la bienvenida al año. Enérgica y alegre invita a la participación del publico asistente convirtiéndola en la verdadera protagonista del evento eclipsando ese día a otras magnificas composiciones. Listas de espera de años y entradas millonarias para dar palmas como auténticos chavalines.
La Marcha Radetzky, Op. 228 es una marcha compuesta por Johann Strauss Sr. en 1848. Fue dedicada al mariscal de campo austriaco Joseph Radetzky von Radetz, que en una serie de victorias, salvó el poderío militar de Austria en el norte de Italia durante la revolución de 1848-49 Muy popular entre sus soldados y cuya marcha también lo fue entre ellos. Cuando esta fue tocada por primera vez, los oficiales austriacos asistentes de forma espontanea dieron palmas y golpearon con sus pies el suelo rítmicamente siguiendo la composición.
Después de un tiempo Radetzky tomó parte en la represión del movimiento revolucionario en Austria, la marcha llegó a ser considerada como un símbolo reaccionario.
Actualmente, la Marcha Radetzky debe su popularidad a que es la pieza con la que acaba el Concierto de Año Nuevo de Viena
Ya se intuía que el gran actor Anthony Hopkins debía tener una especial sensibilidad para la música, o al menos eso me pareció cuando le veía saborear, una a una, las notas de las "Variaciones Goldberg" mientras brutalmente se libraba de sus guardias en "El silencio de los corderos". Ahora tenemos la confirmación de que no es precisamente Anthony Hopkins un hombre de silencios, por mucho que pudiera parecerlo en "Lo que queda del día". Resulta que con tan sólo 19 años escribió un delicioso vals titulado "The waltz goes on" (El vals debe continuar), una pieza que durante décadas nunca pasó del pentagrama y la única sala de conciertos en la que habían resonado sus notas era en el pensamiento de este genial actor y recién descubierto compositor. Gracias por el regalo Mr. Hopkins, la degustaremos con un buen Chianti...
No hace mucho tuvo la oportunidad de proponerle a Andre Rieu, con quien posa en la foto, que revisara la partitura por si la consideraba merecedora de incluirla en su repertorio. El propio Rieu confirma que recibe cientos de peticiones como esta a las que no puede prestar la debida atención, pero que cuando reparó en quien era el compositor de aquella pieza, no pudo evitar la curiosidad de ver que había garabateado sobre el pentagrama el bueno de "Hannibal Lecter", encontrándose para su sorpresa una pieza rebosante de luminosidad y glamour al más puro estilo vienés. Decidido a incluirla en su repertorio hizo los oportunos ajustes e invitó a Hopkins a la gala de presentación, acto en el cual, más de cincuenta años después, dejaría de escuchar la música solo en su cabeza para poder compartirla con todos nosotros.
Johann Sebastian Bach. Entre 1703 y 1707 Bach fue organista de la iglesia de San Bonifacio de la ciudad de Arnstadt, su trabajo en ese lugar le ofrecía cierta estabilidad laboral, y un buen inicio en la carrera musical del joven de 18 años.
Se cree que fue en este periodo en Arnstadt que realizo la composición de su obra más conocida Tocata y fuga en re menor
Una teoría dice que Bach compuso esta pieza para probar la resistencia del órgano recién arreglado de la iglesia, debido a que la Tocata contiene intervalos muy altos y muy bajos por igual con cambios vertiginosos de notas.
Por ese entonces la música era dedicada a Dios y las autoridades eclesiásticas impedían toda manifestación de música no sacra. Por entonces estaba prohibido el llamado acorde “diabolus in música” o acorde del “diablo en la música” por considerar que su sonido permitía la entrada del diablo a la misa.
Bach durante su tiempo libre se dedicaba a componer música secular, es decir que no tenía nada que ver con la iglesia, entre ellos algunos preludios para órgano.
Una noche uno de los monjes observo la siguiente escena: Bach a la luz de las velas tocaba febrilmente una Tocata, a su parecer del monje, creyó que era el mismísimo diablo tocando el órgano de ese modo.
No era el diablo, pero si un Bach poseído por un virtuosismo a la hora de tocar con maestría el órgano monumental de la iglesia, en pocas palabras, es una obra rapidísima y con el acorde del diablo apareciendo en toda la obra cómo si nada.
A pesar de las prohibiciones de la iglesia de la época la obra se mantiene en el catálogo de las obras maestras de la humanidad, hasta Drácula la adopto como tema principal.
Un corto que aparentemente dice poco, pero que encierra muchas metáforas en lo que dura la pieza (observar narración vídeo)
Este corto francés para recapitular y recordar algunas anécdotas y datos curiosos sobre el archiconocido Bolero de Ravel, que quizá algunos desconozcan…
En primer lugar y retomando el corto del Tamborilero del Bolero, hay que decir que ocurre algo curioso con esta pieza… Tras acabar un concierto de violín, el director felicita al primer violín… Tras acabar un concierto para piano y orquesta, el director felicita al pianista… Sin embargo, cuando la música del Bolero termina y comienzan los aplausos del público… El director se acerca al percusionista y lo felicita…
Observar narración del corto para entender al sufrido percusionista
La labor del percusionista es en esta pieza es fundamental. El Bolero se desarrolla con un ritmo y un tempo invariables… Toda la orquesta construye la melodía (también repetitiva) alrededor del compás marcado por el percusionista que durante toda la pieza, siempre realiza la misma tarea.
Su trabajo es organizar las melodías que las cuerdas o los metales van construyendo… No puede adelantarse, no puede atrasarse, es siempre la misma repetición durante los ocho minutos que dura el Bolero y de su repetitivo ritmo depende la obra entera…
Un ostinato rítmico repetido 169 veces, sin alteraciones ni equivocaciones… Un trabajo de relojero que al finalizar la obra, merece la felicitación por parte del Director.
El Bolero, sin embargo, no fue para Ravel más que un divertimento… El siempre lo consideró como una simple obra musical a modo de experimento. Por ello fue el primer sorprendido por su increíble éxito, tras su estreno en Paris en 1928.
El estreno, fue un éxito y contribuyo a solidificar la posición de Ravel como el mejor compositor francés de su momento. Sin embargo, en 1930, en la Ópera de París, el director italiano Arturo Toscanini se tomó la libertad de tocarla dos veces más rápido que lo escrito y acelerando el final. El éxito fue mayor. A Ravel no le gustó y entre bastidores tuvo una discusión con el director. Hay dos versiones de ella.
La forma de Toscanini es la que mayormente se interpreta y la más conocida.
El vídeo que os dejo a continuación tiene la frescura de un grupo joven y la utilización de muchos más instrumentos de vientos que lo que pauta el original, por esa razón el final puede escucharse diferente y algo extraño.
Esta pieza es un clásico (nunca mejor dicho) de Beethoven. Creo que nadie que viva en el planeta tierra desconoce ya sea a Beethoven o a la pieza de la que hablo. Pero lo que probablemente desconozcan varios es su origen. En el 1800, Ludwig van Beethoven acudió a una reunión en donde se encontraban varios chicos. Le llamó mucho la atención una niña de nombre Elisa quien, al ser informada de quién era el maestro, se le acercó y le comentó que ella también era artista, ya que tocaba el piano, lo cual le cayó muy bien a Beethoven quien, antes de retirarse, le pidió que tocara algo en el piano.
La niña interpretó obras de varios compositores sin problemas, pero cuando Beethoven le pidió que tocase alguna de sus sonatas, ella le explicó que le gustaban mucho, pero que eran muy difíciles. Beethoven entonces le prometió que haría una pieza mucho más sencilla, para que ella la pueda tocar. Esa pieza fue “Para Elisa (Recuerdos del 27 de abril de 1808)”
